Clásicos Inmortales: El Ranking de las 10 Mejores Películas en la Historia del Cine

De esta forma llegó a consolidarse como la mejor película de superhéroes  hasta ahora hecha en la historia del cine, gracias a una minuciosa encuesta por una revista prestigiosa de cine.

En donde la revista Empire lanzó una encuesta a sus lectores para conocer su opinión sobre la que sería la mejor película de superhéroes hasta la fecha.

Para finalizar este gran film se alzó con 2 premios Óscar: uno a mejor montaje de sonido y el otro a mejor actor de reparto. Con 6 nominaciones más, siendo estas mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor sonido, mejores efectos visuales, mejor maquillaje y mejor montaje. 

Es de esta manera que el villano representado y caracterizado por Heath Ledger se convertiría en el más recordado en la historia del cine, por aquella magistral caracterización, superando al villano de Hannibal Lecter y demás. Una personificación tan fiel y real a un personaje con trastorno psicológico muy bien manejado sin romper los esquemas y pasar a lo exagerado. 

Junto a una excelente composición musical de Hans Zimmer, con una banda sonora que aún puede escucharse en Spotify, con sus violines rampantes, percusiones galopantes y un ritmo trepidante que en el cine hizo que nos sentáramos en el último hilo de tela de la silla.

Para ver el contenido completo de esta magnifico largometraje, y de cómo se llego a esa magistral interpretación del mejor villano del cine (Joker - Heath ledger) ver el siguiente post The Dark Knight 2008.

Llegando a retratar de manera cuasi perfecta los dos bandos, presentando la tragedia y la comedia de una forma clara y sin exagerar. Por una parte vemos los alemanes que tenían la oportunidad de reír, de burlarse y de celebrar; mientras que por otro lado los judíos veían morir a sus colegas y familias.

Un contraste bien equilibrado en ambas situaciones algo que pocas veces se ha podido conseguir, de una manera respetuosa y mostrando la realidad de uno de los peores acontecimientos de la historia.

Hablamos de la Segunda Guerra Mundial, en donde el caos, la extinción, los campos de concentración, el racismo, la guerra, y el holocausto nazi fue una de las etapas más sangrientas y duras de la Europa modera.

Un suceso proyectado en la pantalla grande para homenajeara todos aquellos que sufrieron directa o indirectamente los abusos de las autoridades alemanas.

Un film marcado por la tensión entre dos circunstancias paralelas. Por un lado la ficción al momento de retratar la historia para atrapar al público, que pretende reproducir, una historia verdadera, y otra la de ser una película realizada con técnicas propias del estilo realista, con apariencia documental.

Basada en la novela “El arca de Schindler” del escritor australiano Thomas Keneally. Quien se valdría de la verdadera lista de Schindler encontrada entre papeles y recortes de periódicos alemanes en una biblioteca de Sidney. Otorgada por uno de los obreros de la historia, el número 173 de la lista (Leopold Pfeffeberg) a fin de que publicará su novela El arca de Schindler (1982), donde relató los hechos que la cinta expone.

Nos relata la verdadera historia de Oskar Schindler, un hombre de negocios Checo miembro del partido Nazi con una gran fortuna, quien inicialmente sacaría provecho de esta situación para crear una fábrica de metalúrgica, con dinero prestado de unos capitalistas judíos del ghetto de Cracovia.

Apoyado por los altos mandos del ejercito alemán logra llevar a cabo su negocio, haciendo prisionero primero a un judío para su contabilidad, y luego reclutando obreros para una mano de obra barata en la judería del ghetto de Cracovia. Todo ello logrado gracias a esa astucia y buen manejo en las relaciones sociales, una inteligencia de negocios admirable, y una seductora personalidad que lo llevaron a cumplir sus cometidos.

Primero saciando sus deseos de ambición y riqueza, para luego tomar conciencia de la situación por la que estaban pasando los judíos y empezar a esforzarse por mejorar la vida de los judíos que tenía a su cargo. Todo ello como una catarsis de purificación al presenciar un exterminio nazi en un campo de concentración de algunos judíos en el ghetto de Cracovia.

Cuando el partido nazi se da cuenta de sus verdaderas intenciones, intentan sacar provecho de esto y ordenan el internamiento de sus obreros en el campo de exterminio de Auschwitz. Es allí que Oskar Schindler saca el lado más bonito de su corazón salvando la humanidad en ese momento, arriesgando su vida, comprando con su fortuna acumulada, la vida de 1098 judíos para que fuesen transferidos a su nueva fábrica en Checoslovaquia y salvarlos de la muerte en las cámaras de gas.

Otro de los componentes aparte de la historia, que ayudaran a consolidar esta obra maestra fueron:
la gran experiencia del director Steven Spielberg en la sucesión y asociación de imágenes, que por sí misma bastasen y sobrasen para explicarlo todo.

La acertada decisión de rodar la película en blanco y negro para darle ese toque dramático y de documental, saliendo de lo convencional al no dejar que el público llegará aburrirse.
De allí que esta cinta en blanco y negro halla sido la más cara jamás rodada superando al film el día más largo rodado en 1962. Siendo igualmente la película en blanco y negro ganadora del Óscar a la mejor película desde El apartamento en 1960.

Otro componente cinematográfico por destacar es la proeza que la producción hizo para ambientar la trama. Contando con un número de locaciones reales: desde la fábrica de Schindler hasta la iglesia de St. Mary. Junto al campo de concentración de Plaszow, recreado por completo a manos del escenógrafo Allan Starski.

La majestuosidad de la música de John Williams que ayudó a hacer las escenas mucho más poderosas logrando transmitir el dolor y la desesperanza por medio de imágenes, que evocaban esos sentimientos provocados. Acompañado de la maravillosa interpretación de las melodías de violín de Itzhak Perlman, con una fuerza de música e interpretación evocadora del sufrimiento y el tormento de lo que ocurrió en aquellos momentos.

Siendo considerada la mejor composición original del pasado siglo. Para algunos, incluso, la mejor de la historia.

Ya para finalizar la acertada elección de los actores como elemento clave para que la historia funcionase. Con Liam Neeson quién estuvo a cargo de representar a Oskar Schindler de manera bastante fiel logrando ser nominado a un Óscar por mejor actuación. Ralph Fiennes el cuál encarnó a Amon Goeth de forma convincente en el trato espeluznante hacia los judíos, llegando a ser tan realista y aterrador a la vez.

Finalizando con una de las escenas más representativas de La lista de Schindler, el momento donde vemos a la niña del abrigo rojo merodeando en la masacre del gueto de Cracovia para que momentos después su cadáver aparezca en una carretilla. Que logra enfatizar y darle más poder a la escena, englobando varios mensajes, la sangre derramada de los judíos, la inocencia, la humanidad y la ignorancia que se vivió en la Segunda Guerra Mundial.

Un guión de Coppola y John Milius que se referenció de varias fuentes, pero la adaptación más obvia fue la novela de Joseph Conrad “El corazón de las tinieblas”.

En donde se nos habla de una historia real de un marino mercante llamado Conrad, y en obra llamado Marlow, que remonta un viaje al río Congo para ir en busca de otro hombre blanco, Kurtz, un comerciante de marfil que ha caído en la locura, y sacarlo de allí, y constituye una dura requisitoria contra la extrema brutalidad de la colonización europea.

Ya para el film cambiaría su contexto y se ambientaría en la guerra de Vietnam, a finales de los sesenta, con el fin de reflexionar acerca de la condición humana y el caos que significó el conflicto asiático.

Y se nos relata la historia de un capitán puesto en licencia que luego es llamado a cumplir con su deber para completar una misión en la que otros antes de él han fracasado: el asesinato de un coronel rebelde que se ha vuelto “completamente loco”.

Debido a sus grandes dificultades de rodaje fue considerada una cinta negra de Hollywood. Teniendo uno de los rodajes más largos y complicados de la historia del cine moderno. Desde huracanes llevándose medio decorado, hasta el equipo bombardeando por error los talleres de maquillaje.

Todo ello conllevaría a un coste total que alcanzaría los 31 millones de dólares incluyendo la fortuna personal de Coppola, pero que más adelante sumaría 150 millones en todo el mundo.

Para finalizar quién dio ese toque mágico y sombrío a la historia, uno de los más grande actores que ha concebido el cine, Marlon Brando quién interpretó, al loco, visionario, cansado, enfermo y desengañado coronel Kurtz.

Obteniendo el puesto número uno en las encuestas tan reconocidas como el “Best of the Decade” de Film Comment , la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles (LAFCA) , Reverse Shot , e IndieWire .

Nombrada mejor película de 2001 por la influyente Sociedad Nacional de Críticos de Cine.

Una obra repleta del universo onírico y surrealista en donde Mulholland Drive supuso una verdadera revolución por la técnica y la estructura narrativa empleadas por Lynch.

Excelente narración que nos habla sobre el destino pasado y futuro de una amnésica y una aspirante a actriz.

En donde la línea a temporal usada ayuda a calibrar la historia con saltos hacia adelante como hacia atrás, para redirigirnos a momentos importantes en la historia.

Simplemente trampas en la narración que en última instancia crean la ambigüedad. Señalando eventos extraños en un universo aparentemente real. Todo en un orden ilógico, que va tomando la apariencia de un desafío para el espectador, un rompecabezas que se necesita resolver a medida que la película llega al final.

Donde el espectador percibe un posible flujo lógico de los eventos y puede poner algunos de ellos en el orden correcto.

Todos esos insights sumado a la brillante actuación de Naomi Watts y la genial música oniroide del icónico Angelo Baladamenti dan ese peso de calidad a tan aclamado film del siglo XXI.

Una cinta con un premio de la Academia (Premio Óscar) para mejores efectos especiales.
3 BAFTA para mejor fotografía, mejor sonido y mejor diseño de producción.

Un excelente largometraje dirigido por Stanley Kubrick basado en los relatos de Arthur C. Clark.

Con una gran asesoría para su producción y narración contando con el conocimiento previo de científicos de la NASA, que ayudaron a entender cómo podría ser la navegación del hombre por el espacio.

Y un colaborador invisible llamado Albert Einstein. Quién a pesar de haber muerto en 1955, ayudó a dar forma a la película con su legado. Con algunas de sus teorías como: la Relatividad Especial (que limita el viaje espacial por debajo de la velocidad de la luz) y la Relatividad General (que explica la gravedad y predice los agujeros de gusano) que ayudar a dar forma al film para un mejor entendimiento con bases científicas.

Todo ello ha llevado a considerar esta cinta valuable para el Séptimo Arte, y ser homenajeada para sus 50 años de aniversario, en donde Pictures estrenará una obra de 70 mm sin restaurar de la novela de ciencia ficción del director en el 71 ° Cannes anual Festival de Cine en el 2018. Y proyectada posteriormente en algunas salas de cine en los Estados Unidos.

Un gran largometraje que nos presenta dos tramas: una principal y otra secundaria. Ambas realmente independientes.

La primera narra la historia de la evolución humana a lo largo de varios millones de años; una evolución que en la película es dirigida por algún tipo de inteligencia extraterrestre (monolito negro) cuya naturaleza no se especifica en ningún momento.

Y la segunda trama es la historia del ordenador HAL 9000 y su rebelión frente a sus creadores. Esta sub-trama gira también en torno al concepto de la evolución y la inteligencia.

Que recaudó 57 millones de dólares para su época, que fue algo sorprendente para su complejidad, estructura y narración científica.

Y que nos cautivó con su adecuada banda sonara en donde Kubrick empleó varias piezas de compositores clásicos, logrando una armoniosa asociación entre esas melodías universales y las fabulosas escenas de los navíos espaciales surcando el vacío cósmico.

Destacando temas como: El Danubio Azul, de Johann Strauss, Así habló Zarathustra, de Richard Strauss, Réquiem, de Gyorgy Ligeti.

Aunque su estreno y taquilla no fue el esperado en aquella época, logra mejorar en su reestreno para 1949 cuando encontró una audiencia enamorada de su historia.

Ya para 1940 vendría el éxito esperado con 6 nominaciones a los Premio Óscar de los cuales ganó únicamente dos estatuillas: mejor canción original y mejor banda sonora.

Esfuerzo dado a su constancia, a su complicado rodaje, al salir del estándar de aquella época donde la mayoría de filmes eran mudos y en blanco y negro, es aquí donde la Metro Goldwyn Mayer decide dar un nuevo giro a la historia; añadir música y canciones y, además, rodar el film en un espectacular tecnicolor.

Esta técnica involucraba tres tiras distintas de película (hechas con filtros de diferentes colores), que luego tenían que combinarse para crear los colores brillantes y ricos que veíamos en la pantalla.
Se necesitaban de dos operadores expertos para manejar las voluminosas y complicadas cámaras, y el coste era desmedido.

llegando a costar $2,777,000 dólares, cuando la película promedio de esta industria cinematográfica (MGM) costaba la mitad de eso. Es por ellos que se llego a rumorear que fue una de las películas más costosas en su época.

Es por todas estas razones junto a sus escenografía, vestuario, coreografía, música, letras e historia. Que es considerada una película de culto a pesar de haber sido concebida en un principio como un film exclusivamente dirigido al público infantil. Con excelentes actuaciones de Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack Haley y Margaret Hamilton como la “Malvada Bruja del Oeste” quien hizo una interpretación tan atemorizante que algunas de sus escenas tuvieron que ser eliminadas y editadas por el público a quién iba dirigido al film.

Todo ello llevo al Mago de Oz a grandes reconocimientos siendo considerada: patrimonio cultural de la humanidad por la UNESCO en el 2007.

En el 2008, el AFI calificó la película como la número uno en el ranking de las mejores películas de fantasía.

Según el British Film Institute, el Mago de Oz ocupa la posición número 10 entre las 50 películas que tienes que ver antes de los quince años.

El Instituto Cinematográfico Americano la declaraba la película más familiar de todos los tiempos.

La revista Premiere también la nombró una de las veinte películas más parodiadas.

Representando la apoteosis de su dirección con todos los elementos típicos que han definido precisamente su carrera de director cinematográfico.

En este film Fellini logra hacer que sus intereses muy personales se inmortalicen. Es así que el director crea un alter “ego” de sí mismo, haciendo su propia historia de como su personaje crea la misma película, cine dentro de cine podría decirse.

Retomando todo ese lenguaje cinematográfico paso a paso dentro de la cinta convirtiéndose así en el largometraje más importante que se haya realizado sobre el proceso de creación de una película y el metro con el que se mide cualquier otra película sobre el tema.

Es de esta manera que se halla catalogado como película de culto y fuente de inspiración para numerosos directores. De anotar que el filme nace por casualidad, cuando el director ya no sabía sobre qué escribir y dirigir, y surge la idea de hablar sobre eso. Acerca la crisis creativa de un director ficticio en este caso de (Guido Anselmi, interpretado por Marcello Mastroianni).

Quién después de obtener un éxito rotundo, atraviesa una crisis e intenta inútilmente hacer una nueva cinta. En esta situación, empieza a pasar revista a los hechos más importantes de su vida y a recordar a todas las mujeres a las que ha amado.

Un guión que no sigue un camino lineal, sino se confunde místicamente con los pensamientos, los recuerdos y la imaginación del protagonista, tanto que no distinguimos la realidad del sueño, característica típica de las películas fellinianas.

Entrando así en la lista de las mejores películas de la historia del cine hasta el momento ocupando el tercer lugar en comparación a las demás listas en donde esta de primeras, de segundas y de terceras frecuentemente.

El guión está basado en la novela Sueurs froides: d’entre les morts (Sudores fríos: de entre los muertos) escrita por Pierre Boileau y Thomas Narcejac. Y nos habla de un detective de San Francisco obligado a retirarse después de un hecho traumático. Encargado de seguir a una misteriosa mujer casada, que más adelante se convertiría en su obsesión.

De esta premisa este film se convierte en un thriller psicológico tocando tópicos de la parálisis psicológica y física, de la frágil naturaleza del amor, de la acrofobia ese temor universal por caer en la locura, el voyeurismo, la necrofilia y demás.

De ahí el éxito de su guión, pues hoy en día los thriller psicológicos son el hit de los directores y guionistas hollywoodenses. Y quien logra construir personajes complejos y a la vez llevarlos al límite, con una propuesta visual arriesgada, tienen garantizado al menos una nominación al Óscar.

No por ello dejamos atrás las excelentes actuaciones de sus protagonistas. James Stewart como el actor fetiche de Hichcock quien se desenvuelve muy bien en esas dos horas acaparadas, Pero quien definitivamente más resalta es la interpretación de Kim Novak, sobre todo una vez que somos conscientes del desarrollo de la historia.

También se destacaron los recursos estilísticos utilizados, las metáforas visuales, los personajes poco comunes, los lugares que nos dicen más de lo que muestran, la música de Bernard Herrmann que arropa la intriga con una buenísima fotografía en blanco y negro de Robert Burks que supo darle un tono fantasmagórico a las calles de San Francisco, y de lograr el efecto vértigo mediante la utilización del zoom hacia adelante y un movimiento hacia atrás, casi en forma simultánea.

Una obra maestra dirigida, escrita y actuada por el propio Orson Welles. Una cinta que consolidó a este director como uno de los personajes más importantes en la historia del cine.

Aunque obtuvo un fracaso en la taquilla en gran parte por el boicoteo lo que añadió perdidas significativas, pero no por ello un gran furor para la critica especialista la cual logró rescatar más adelante y darle así ese gran puesto meritorio en el cine.

Es así que en en 1956, Jean Paul Sartre comenzó una campaña para valorizar y dar el lugar merecido al filme. Desde ese año y hasta este nuevo siglo, Citizen Kane 1941 ha sido considerado por muchos como el mejor filme hecho en la historia del cine de EUA después del Padrino.

Es de resaltar ese guión original que obtuvo un Premio Óscar y el cual se trata de una ficción biográfica que recrea la vida del magnate y político estadounidense William Randolph Hearst (1887-1951) el cual no le causo gracia al ver su personaje muy caricaturesco el cual quiso comprar el formato original para sacarlo del mercado para no ser ridiculizado supuesta-mente.

La cinta nos habla de la vida de Charles Kane, un magnate de la prensa que muere en soledad en la primera escena de la película. Y es en ese momento que un grupo de periodistas investigan la vida y obra del personaje intentado descubrir qué significa la última palabra que pronunció en vida: Rosebud.

Palabra que ha pasado a considerarse uno de los McGuffin más importantes de la historia del cine. Por el manejo simbólico que se le dio a esa palabra como modo de acertijo y medio para desarrollar ese magnífico guión.

Con ello y otras excelentes cualidades es que este largometraje sea considerado una de las joyas de cine con elementos que hacen de esta una obra impecable como: la forma de manejar esa sensación de estar viendo teatro en estado puro, con la fuente de inspiración del expresionismo alemán de Max Reinhardt.

El uso insistente de la profundidad de campo con trucos ingeniosos y económicos. Al igual que esa estructura cinematográfica obtenida por medio del uso del objetivo gran-angular, de la profundidad de campo nítida y de las insólitas angulaciones de cámara, el uso complejo de esa banda sonora de ruidos, música, diálogos veloces bien entrecruzados y sincronizados determinando una buena puesta en escena.

Con unos recursos fotográficos de planos con profundidad de campo o una iluminación altamente contrastada; para lograr con ello esa imagen convencional de estudio de la época, transgrediendo muchas de esas reglas establecidas para la fotografía en aquella época.

Como también una estructura narrativa fracturada, con espectaculares saltos en el tiempo entre las escenas, con el uso de los llamados flashback o salto al pasado, que lleva al espectador a viajar en la trama, todo un buen montaje que hacen de la película una de los mejores cintas estadounidenses de la historia del cine, ratificado por el Instituto de Cine Americano (American Film Institute).
Y con una buena crítica por parte The New york Times quién comentó que podría ser la mejor película de Hollywood.

Este clásico forma ya una parte imprescindible de ese grupo de películas que no envejecen y que siempre están vigentes para el espectador. 
Un proyecto impulsado por una apremiante necesidad económica por la que pasaban para dicha época tanto el escritor de la Novela como su director que lograron sacar esta cinta fílmica con un presupuesto paupérrimo de unos 6 millones de dólares, pero llegando a recaudar la cifra de 245 millones de dólares.

Considerado un icono del cine y la mejor película de la historia del cine por varias cualidades que hacen de esta una pieza valiosa como: una gran historia basada en un Best seller de la novela de Mario Puzo, (The Godfather), número uno en los «New York Times» durante 67 semanas; de igual forma número uno durante 22 semanas en Inglaterra, en Alemania, Francia y otros países, traducida a 20 lenguas, más de 11 millones ejemplares vendidos después de la versión filmada. 

Una excelente fotografía oscura de Gordon Willis, al igual que una apremiante caracterización por la gran figura y leyenda que representaba Marlon Brando, y ese gran descubrimiento de Al Pacino y James Caan.

Otro de su gran plus esas producciones de la música de Rota en su banda sonora que lograron definir muy bien esa música mafiosa.

La historia refleja con exactitud la La existencia de la Cosa Nostra y su extraña naturaleza ritual, inspirada por viejas costumbres del caciquismo rural siciliano, que para ese entonces fue un secreto bien guardado.

Un retrato de la Mafia, la organización secreta siciliana cuyos orígenes se remontan al siglo XIII, en donde se relata la historia del máximo jefe de una de las 5 familias que dominan las calles y el mando de la mafia siciliana en Nueva York, Don Vito Corleone, su forma de ejercer el poderío sobre la sociedad y el inescrupuloso actuar de su clan familiar. Todo ello en esta gran cinta titulada El Padrino 1972.